jueves, 14 de agosto de 2008
jueves, 22 de mayo de 2008
martes, 6 de mayo de 2008
NUE VOS MATERIALES Y NUEVA CONCEPCIÓN DEL ESPACIO ARQUITECTÓNICO: INTRODUCCIÓN ( Eclecticismo, Utilitarismo y Modernismo), EL RACIONALISMO (La Bauhau
Introducción histórica:
El proceso de industrialización transformó la sociedad de la Europa del S.XIX . El crecimiento urbano hizo necesario un nuevo urbanismo para canalizar la intensa actividad constructiva. Se asistió a la búsqueda de una arquitectura adaptada a las necesidades y posibilidades de la nueva sociedad. Ahora son necesarios edificios y construcciones que nunca se habían planteado, como estaciones de ferrocarril, galerías cubiertas, bancos, museos, bibliotecas, viaductos… por otra parte gracias al progreso técnico de la revolución industrial aparecen nuevos materiales de construcción como las largas vigas de hierro colado o el cristal que se producía en inmensas láminas. Todos estos factores darán lugar, a partir de la 2ª mitad del S.XIX a la arquitectura del hierro. Sin embargo, junto a esta se desarrolla la arquitectura denominada historicista, que recurre a la recuperación de los estilos del pasado. Sólo a finales del siglo, surgieron dos tendencias arquitectónicas que respondían ya a las necesidades estéticas y funcionales de la nueva sociedad: el Modernismo ( art Nouveau) y la Escuela de Chicago.
El historicismo:
Uno de los caminos tomados por la arquitectura del S.XIX es el historicismo, es un retorno de los estilos anteriores. La renovación se dividió en diversos neos: Neorromano, Neoindio, Neoegipcio, Neobarroco, neogótico, etc.
Una de las causas de la aparición de estilos nuevos como el indio, el egipcio o el chino se debe a los numerosos viajes que desde Inglaterra y Francia se organizan en busca de nuevas culturas.
Otra de las causas de la vuelta a estilos como el gótico, románico o barroco la encontramos en las revoluciones y el espíritu nacional que ya había infundido el romanticismo.
La mezcla de algunos de estos estilos llevará a la arquitectura al eclecticismo. Por ello no podemos considerar que el eclecticismo sea un estilo uniforme, ni encontrar rasgos claros que lo definen.
De todos los estilos del pasado que influyen en esta época, el más común será el Neogótico, la edad media vuelve a resurgir y este arte conecta a la clientela burguesa con una espiritualidad y un sentido nacional que gusta en ese momento. Un buen ejemplo de ello será el “Parlamento de Londres”.
Los arquitectos encargados de esta renovación del gótico serán los teóricos John Ruskin y Eugene Viollet le Duc. Principales restauradores del momento, de ellos parten las restauraciones de muchas catedrales góticas que han llegado a nosotros.
Normalmente estas arquitecturas subordinan la forma a la función. Otra de las grandes obras del estilo Neobarroco es la “Ópera de París” de Garnier.
El utilitarismo o arquitectura del hierro:
Es la otra corriente de mediados del S.XIX. La revolución industrial genera nuevas necesidades a la vez que introduce nuevos materiales como el hierro y el cristal. Comienza una nueva era en la historia de la arquitectura.
A lo largo del S.XIX las exposiciones son acontecimientos públicos, concebidos como un escaparate para conocer los adelantos técnicos, de la industria, el comercio y las artes. Los pabellones de cada país se harán con todo lujo de detalles y con soluciones técnicas muy avanzadas, utilizando los nuevos materiales.
Dos de las construcciones pioneras en este estilo fueron “El palacio de cristal” de Joseph Paxton para la exposición de Londres de 1851 y “La torre Eiffel” de Gustave Eiffel para la de París en 1867. Ésta última fue objeto de crítica entre los teóricos del arte más tradicionales, sin embargo con el tiempo se convirtió en símbolo de modernidad.
Otra de las construcciones son bibliotecas como la de París de Henri Labrouste, estaciones de ferrocarril como la de Atocha o las Delicias como armadura metálica o el famoso palacio de cristal del Retiro, creación de Velázquez Bosco.
En cuanto a la situación de la arquitectura en Estados Unidos es muy diferente a la Europea. Sin ninguna tradición constructiva con peso, comienzan a crear edificios teniendo en cuenta las necesidades concretas de ese momento, allí se fundirán construcción, ingeniería y arquitectura.
La escuela de Chicago:
En Chicago se forma de 1870 a 1900 la escuela arquitectónica americana más importante de todos los tiempos. Un incendio arrasa la ciudad en 1871, eso permite una reconstrucción de la ciudad mediante nuevos materiales. El suelo vale mucho dinero y hay escasez de terrenos para edificar, la solución la encontrarán en la creación de rascacielos que albergarán las grandes oficinas financieras de la ciudad. El invento del ascensor contribuye a la creación en altura.
Arquitectos importantes de esta escuela son:
William le Barón Jenney, John Welborn Roth y Louis Sullivan “ auditorio de Chicago” o “ Almacenes Carson Pirie and Scott”.
Los arquitectos de esta escuela influirán de forma decisiva en el racionalismo del S.XX.
El modernismo: Características y principales arquitectos.
Es un estilo europeo, se desarrolla a finales del S.XIX, entre 1890 y 1915.
Este estilo recibe varios nombres, art nouveau en Francia, Seccesión en Austria, Modernismo en España, Modern Style en Inglaterra…
Es un arte vinculado a las artes aplicadas; cerámica, vidrio, grabado, cartel. Pero también se desarrolla en arquitectura.
Es un arte decorativo donde se funden las tres artes.
Es un arte para la clientela burguesa de la época.
Pretenden imitar las formas de la naturaleza. Asimetría, líneas curvas, decoración animalística…
Sin embargo hay dos caminos en el modernismo:
1.- En España, Francia y Bélgica tiene un carácter orgánico vinculado con las formas del gótico.
2.- En Austria, Alemania e Inglaterra predomina la línea geométrica y las superficies planas.
Autores y obras:
Victor Horta ( considerado el primer arquitecto modernista) : “ Casa Tassel” en Bruselas. El hierro no solo es constructivo sino también decorativo y ornamental, las superficies ondulantes, la mezcla de cerámica, madera, forja…
Héctor Guimard en Francia se especializa en la creación de bocas de metro en París.
El máximo representante del estilo en España es Antonio Gaudí (1852-1926). La arquitectura modernista no se puede dar en otro lugar que no sea Barcelona o Valencia, únicas ciudades industriales del momento y con una creciente burguesía.
En su arquitectura se ve una mezcla de modernidad en cuanto a materiales y de tradición o carácter nacional que busca en las raíces de la edad media, en el gótico.
Utiliza materiales de desecho como la cerámica para revestir sus edificios. Es un arquitecto sumamente religioso y por ello introduce imágenes de la virgen, el patón San Jorge o de Jesús en muchas de sus obras.
Algunas obras: Palacio episcopal de Astorga, Sagrada Familia de Barcelona, Parque Güell, El capricho en Comillas, Casa de los Botines, Casa Batlló, Casa Milá…
La revista catalana en la que escriben Gaudí, Domenech i Muntaner, Puig y Cadafalch es “ L’Avenç”.
El modernismo racional o lineal tiene sus máximos exponentes en Mackintosh cuya obra más popular es la escuela de Bellas artes de Glasgow, Ottto Wagner creador de la caja de ahorros de Viena etc. Todos ellos crearán las bases de la arquitectura racionalista del S.XX.
Arquitectura racionalista:
En el S.XX una serie de cambios como el aumento de población en las ciudades, la escasez de suelo construible, la influencia del modernismo y de nuevos lenguajes arquitectónicos dan paso a una arquitectura racionalista.
La nueva estética radica en la función, todo está al servicio de una arquitectura funcional. Desaparece toda la ornamentación heredada de la tradición y se utilizan los nuevos materiales, las formas se simplifican, se vuelve al cubo, el cilindro, la esfera como unidades primordiales de la arquitectura.
La influencia de este estilo racional la tenemos en la escuela de Chicago de finales del S.XIX y los movimientos modernistas austríacos e Ingleses.
La figura más representativa de este estilo es Le Corbussier (1887-1965):
Arquitecto teórico que retoma el canon clásico, las proporciones humanas estarán íntimamente vinculadas a su arquitectura. Estos tratados los recoge en su obra teórica “ El Modulor”.
Características de su obra:
Los soportes se calculan con exactitud según la carga que van a recibir, se levantan desde el suelo. Serán habituales las casas sostenidas por columnas . Ej. Villa Saboya
Empleo de tejado plano que permite una azotea-terraza o jardín.
No hay paredes maestras sino una libertad en la estructura de la planta.
Ventana apaisada y corrida.
La fachada sobresale del edificio. Ej: Unidad de habitación ( Marsella).
Otro de los arquitectos racionalistas de principios de siglo es Mies Van der Rohe, destacan su pabellón alemán para la exposición universal de Barcelona o el Edificio Seagram.
Pero el centro del movimiento moderno lo constituye la escuela de arquitectura y diseño que crea Walter Gropius: La bauhaus. Se funda en 1919 en Alemania.
Se intentan unificar las artes, servir al desarrollo de la vivienda, preocupados también por el diseño y lo útil.
En su primera fase la escuela de Bauhaus se instala en Weimar, después de la II Guerra Mundial se traslada a Dessau, allí se crea el edificio “Bauhaus” de planta geométrica, con pabellones asimétricos entrelazados en los pisos superiores ( hospital la fe, vl), la introducción del muro cortina de cristal con una disposición ortogonal.
Los avances introducidos en esta escuela topan con la propia historia. Los nazis tachan de izquierdistas a estos arquitectos, la escuela fue cerrada y el propio Gropius emigra a Estados Unidos donde continua su formación como racionalista influyendo en la vanguardia de ese país.
En los años 30 esta corriente racionalista llega a España aprovechando la libertad expresiva y creativa que se desarrolla en el país gracias a la IIª República. Se crean asociaciones de arquitectos en Cataluña ( GATCPAC) Grupo de artistas y técnicos catalanes para el progreso de la arquitectura contemporánea. O el GATEPAC a nivel estatal.
El organicismo: Frank Lloyd Wright.
Ante el ambiente de crisis que reina en Europa debido al período de entreguerras, la inestabilidad política y la rivalidad entre las potencias, la arquitectura se estanca.
Sin embargo en EEUU recogerán todas esas influencias y desarrollará una arquitectura moderna desviándose por un camino distinto al racionalismo. Será la arquitectura orgánica.
Wright trata de integrar la arquitectura en la naturaleza y considera las características de los dueños de las casas a la hora de crear.
Admira la arquitectura japonesa, de techos bajos y superficies horizontales, además el interior se funde excepcionalmente con el exterior.
Aplica los volúmenes netos al igual que los racionalistas pero los dota de una aportación muy personal.
Una de sus obras más importantes es “ la casa Kauffman” ( Casa de la cascada) donde integra el paisaje y el sonido del agua a los elementos de la construcción.
El proceso de industrialización transformó la sociedad de la Europa del S.XIX . El crecimiento urbano hizo necesario un nuevo urbanismo para canalizar la intensa actividad constructiva. Se asistió a la búsqueda de una arquitectura adaptada a las necesidades y posibilidades de la nueva sociedad. Ahora son necesarios edificios y construcciones que nunca se habían planteado, como estaciones de ferrocarril, galerías cubiertas, bancos, museos, bibliotecas, viaductos… por otra parte gracias al progreso técnico de la revolución industrial aparecen nuevos materiales de construcción como las largas vigas de hierro colado o el cristal que se producía en inmensas láminas. Todos estos factores darán lugar, a partir de la 2ª mitad del S.XIX a la arquitectura del hierro. Sin embargo, junto a esta se desarrolla la arquitectura denominada historicista, que recurre a la recuperación de los estilos del pasado. Sólo a finales del siglo, surgieron dos tendencias arquitectónicas que respondían ya a las necesidades estéticas y funcionales de la nueva sociedad: el Modernismo ( art Nouveau) y la Escuela de Chicago.
El historicismo:
Uno de los caminos tomados por la arquitectura del S.XIX es el historicismo, es un retorno de los estilos anteriores. La renovación se dividió en diversos neos: Neorromano, Neoindio, Neoegipcio, Neobarroco, neogótico, etc.
Una de las causas de la aparición de estilos nuevos como el indio, el egipcio o el chino se debe a los numerosos viajes que desde Inglaterra y Francia se organizan en busca de nuevas culturas.
Otra de las causas de la vuelta a estilos como el gótico, románico o barroco la encontramos en las revoluciones y el espíritu nacional que ya había infundido el romanticismo.
La mezcla de algunos de estos estilos llevará a la arquitectura al eclecticismo. Por ello no podemos considerar que el eclecticismo sea un estilo uniforme, ni encontrar rasgos claros que lo definen.
De todos los estilos del pasado que influyen en esta época, el más común será el Neogótico, la edad media vuelve a resurgir y este arte conecta a la clientela burguesa con una espiritualidad y un sentido nacional que gusta en ese momento. Un buen ejemplo de ello será el “Parlamento de Londres”.
Los arquitectos encargados de esta renovación del gótico serán los teóricos John Ruskin y Eugene Viollet le Duc. Principales restauradores del momento, de ellos parten las restauraciones de muchas catedrales góticas que han llegado a nosotros.
Normalmente estas arquitecturas subordinan la forma a la función. Otra de las grandes obras del estilo Neobarroco es la “Ópera de París” de Garnier.
El utilitarismo o arquitectura del hierro:
Es la otra corriente de mediados del S.XIX. La revolución industrial genera nuevas necesidades a la vez que introduce nuevos materiales como el hierro y el cristal. Comienza una nueva era en la historia de la arquitectura.
A lo largo del S.XIX las exposiciones son acontecimientos públicos, concebidos como un escaparate para conocer los adelantos técnicos, de la industria, el comercio y las artes. Los pabellones de cada país se harán con todo lujo de detalles y con soluciones técnicas muy avanzadas, utilizando los nuevos materiales.
Dos de las construcciones pioneras en este estilo fueron “El palacio de cristal” de Joseph Paxton para la exposición de Londres de 1851 y “La torre Eiffel” de Gustave Eiffel para la de París en 1867. Ésta última fue objeto de crítica entre los teóricos del arte más tradicionales, sin embargo con el tiempo se convirtió en símbolo de modernidad.
Otra de las construcciones son bibliotecas como la de París de Henri Labrouste, estaciones de ferrocarril como la de Atocha o las Delicias como armadura metálica o el famoso palacio de cristal del Retiro, creación de Velázquez Bosco.
En cuanto a la situación de la arquitectura en Estados Unidos es muy diferente a la Europea. Sin ninguna tradición constructiva con peso, comienzan a crear edificios teniendo en cuenta las necesidades concretas de ese momento, allí se fundirán construcción, ingeniería y arquitectura.
La escuela de Chicago:
En Chicago se forma de 1870 a 1900 la escuela arquitectónica americana más importante de todos los tiempos. Un incendio arrasa la ciudad en 1871, eso permite una reconstrucción de la ciudad mediante nuevos materiales. El suelo vale mucho dinero y hay escasez de terrenos para edificar, la solución la encontrarán en la creación de rascacielos que albergarán las grandes oficinas financieras de la ciudad. El invento del ascensor contribuye a la creación en altura.
Arquitectos importantes de esta escuela son:
William le Barón Jenney, John Welborn Roth y Louis Sullivan “ auditorio de Chicago” o “ Almacenes Carson Pirie and Scott”.
Los arquitectos de esta escuela influirán de forma decisiva en el racionalismo del S.XX.
El modernismo: Características y principales arquitectos.
Es un estilo europeo, se desarrolla a finales del S.XIX, entre 1890 y 1915.
Este estilo recibe varios nombres, art nouveau en Francia, Seccesión en Austria, Modernismo en España, Modern Style en Inglaterra…
Es un arte vinculado a las artes aplicadas; cerámica, vidrio, grabado, cartel. Pero también se desarrolla en arquitectura.
Es un arte decorativo donde se funden las tres artes.
Es un arte para la clientela burguesa de la época.
Pretenden imitar las formas de la naturaleza. Asimetría, líneas curvas, decoración animalística…
Sin embargo hay dos caminos en el modernismo:
1.- En España, Francia y Bélgica tiene un carácter orgánico vinculado con las formas del gótico.
2.- En Austria, Alemania e Inglaterra predomina la línea geométrica y las superficies planas.
Autores y obras:
Victor Horta ( considerado el primer arquitecto modernista) : “ Casa Tassel” en Bruselas. El hierro no solo es constructivo sino también decorativo y ornamental, las superficies ondulantes, la mezcla de cerámica, madera, forja…
Héctor Guimard en Francia se especializa en la creación de bocas de metro en París.
El máximo representante del estilo en España es Antonio Gaudí (1852-1926). La arquitectura modernista no se puede dar en otro lugar que no sea Barcelona o Valencia, únicas ciudades industriales del momento y con una creciente burguesía.
En su arquitectura se ve una mezcla de modernidad en cuanto a materiales y de tradición o carácter nacional que busca en las raíces de la edad media, en el gótico.
Utiliza materiales de desecho como la cerámica para revestir sus edificios. Es un arquitecto sumamente religioso y por ello introduce imágenes de la virgen, el patón San Jorge o de Jesús en muchas de sus obras.
Algunas obras: Palacio episcopal de Astorga, Sagrada Familia de Barcelona, Parque Güell, El capricho en Comillas, Casa de los Botines, Casa Batlló, Casa Milá…
La revista catalana en la que escriben Gaudí, Domenech i Muntaner, Puig y Cadafalch es “ L’Avenç”.
El modernismo racional o lineal tiene sus máximos exponentes en Mackintosh cuya obra más popular es la escuela de Bellas artes de Glasgow, Ottto Wagner creador de la caja de ahorros de Viena etc. Todos ellos crearán las bases de la arquitectura racionalista del S.XX.
Arquitectura racionalista:
En el S.XX una serie de cambios como el aumento de población en las ciudades, la escasez de suelo construible, la influencia del modernismo y de nuevos lenguajes arquitectónicos dan paso a una arquitectura racionalista.
La nueva estética radica en la función, todo está al servicio de una arquitectura funcional. Desaparece toda la ornamentación heredada de la tradición y se utilizan los nuevos materiales, las formas se simplifican, se vuelve al cubo, el cilindro, la esfera como unidades primordiales de la arquitectura.
La influencia de este estilo racional la tenemos en la escuela de Chicago de finales del S.XIX y los movimientos modernistas austríacos e Ingleses.
La figura más representativa de este estilo es Le Corbussier (1887-1965):
Arquitecto teórico que retoma el canon clásico, las proporciones humanas estarán íntimamente vinculadas a su arquitectura. Estos tratados los recoge en su obra teórica “ El Modulor”.
Características de su obra:
Los soportes se calculan con exactitud según la carga que van a recibir, se levantan desde el suelo. Serán habituales las casas sostenidas por columnas . Ej. Villa Saboya
Empleo de tejado plano que permite una azotea-terraza o jardín.
No hay paredes maestras sino una libertad en la estructura de la planta.
Ventana apaisada y corrida.
La fachada sobresale del edificio. Ej: Unidad de habitación ( Marsella).
Otro de los arquitectos racionalistas de principios de siglo es Mies Van der Rohe, destacan su pabellón alemán para la exposición universal de Barcelona o el Edificio Seagram.
Pero el centro del movimiento moderno lo constituye la escuela de arquitectura y diseño que crea Walter Gropius: La bauhaus. Se funda en 1919 en Alemania.
Se intentan unificar las artes, servir al desarrollo de la vivienda, preocupados también por el diseño y lo útil.
En su primera fase la escuela de Bauhaus se instala en Weimar, después de la II Guerra Mundial se traslada a Dessau, allí se crea el edificio “Bauhaus” de planta geométrica, con pabellones asimétricos entrelazados en los pisos superiores ( hospital la fe, vl), la introducción del muro cortina de cristal con una disposición ortogonal.
Los avances introducidos en esta escuela topan con la propia historia. Los nazis tachan de izquierdistas a estos arquitectos, la escuela fue cerrada y el propio Gropius emigra a Estados Unidos donde continua su formación como racionalista influyendo en la vanguardia de ese país.
En los años 30 esta corriente racionalista llega a España aprovechando la libertad expresiva y creativa que se desarrolla en el país gracias a la IIª República. Se crean asociaciones de arquitectos en Cataluña ( GATCPAC) Grupo de artistas y técnicos catalanes para el progreso de la arquitectura contemporánea. O el GATEPAC a nivel estatal.
El organicismo: Frank Lloyd Wright.
Ante el ambiente de crisis que reina en Europa debido al período de entreguerras, la inestabilidad política y la rivalidad entre las potencias, la arquitectura se estanca.
Sin embargo en EEUU recogerán todas esas influencias y desarrollará una arquitectura moderna desviándose por un camino distinto al racionalismo. Será la arquitectura orgánica.
Wright trata de integrar la arquitectura en la naturaleza y considera las características de los dueños de las casas a la hora de crear.
Admira la arquitectura japonesa, de techos bajos y superficies horizontales, además el interior se funde excepcionalmente con el exterior.
Aplica los volúmenes netos al igual que los racionalistas pero los dota de una aportación muy personal.
Una de sus obras más importantes es “ la casa Kauffman” ( Casa de la cascada) donde integra el paisaje y el sonido del agua a los elementos de la construcción.
LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS: INTRODUCCIÓN: Su significación, función social del artista y mercado del arte actual. CUBISMO, SURREALISMO, EXPRESIONISMO,
El arte del S.XX experimenta una revolución total. Surgen las vanguardias que nada tienen en común con los estilos totalizadores del pasado. La pintura se convierte en la avanzadilla de la innovación. Los pintores ya no representan la realidad, es la fotografía y el cine los que las representan. Desde principios de siglo cambia la concepción de la naturaleza y del hombre y el arte traduce los grandes cambios: la pérdida del optimismo porque ya no se cree en un progreso indefinido como en épocas anteriores, ni tampoco se comparte el optimismo sobre el destino final que existía antes; aparece una crisis del racionalismo, el psicoanálisis de Freud puso de manifiesto el mundo del inconsciente en el desarrollo de la personalidad y la importancia en ésta de los valores no racionales. Albert Einstein enunció la teoría de la relatividad que modificó los principios generales de la concepción del universo, rechazando los conceptos de tiempo y espacio absoluto, creando el principio de la indeterminación de ciertos fenómenos naturales y por tanto la incertidumbre de la ciencia. Por otra parte los avances técnicos se ponen al servicio de la destrucción de la humanidad en las Guerras Mundiales. El artista ahora proyecta sus preocupaciones intelectuales y la obra de arte se impregna de subjetivismo, es creación. La pintura evoluciona desde la figuración a la abstracción, surge el fauvismo, el cubismo, el expresionismo, la abstracción…
Entre 1900 y 1914 la historia mundial cambia, fruto de este devenir histórico se alzan las vanguardias. Los años previos a la Iª Guerra Mundial son años de Paz armada entre las potencias europeas que rivalizan por las colonias. Los artistas se mueven entonces por su inspiración de mundos exóticos, escultura negra, pinturas oceánicas… Muchos pintores se comprometen políticamente con ideas revolucionarias, concretamente los rusos con su revolución en 1917. El artista dará rienda suelta a sus propias sensaciones e interpretará la realidad que le rodea de forma creativa. Cada movimiento tendrá su origen en algún arte anterior, sin embargo abrirá un camino nuevo que seguimos construyendo en la actualidad.
El fauvismo; Henri Matisse
Es la primera gran revolución artística del S.XX. En 1905 en el Salón de Otoño expusieron una serie de pintores a los que les une su pasión por el color, les influyen directamente los pintores postimpresionistas Gauguín y Van Gogh. El crítico de arte Louis Vaucelles les llamó fauves ( fieras). El grupo como tal deja de existir en 1908, sus características son las siguientes:
El color es su característica esencial, los colores no son los que tienen los objetos en la realidad.
El dibujo adquiere gran importancia, se perfilan las figuras.
El plano es único y sin profundidad.
Uno de sus mayores representantes es Henri Matisse. “ Retrato de Madame matisse”,”la danza”,”Odalisca roja”…
El cubismo: Pablo Picasso
Es junto con Braque el fundador del Cubismo. Al mismo tiempo encarna perfectamente al artista típico del S.XX. Comprometido con las cosas nobles de su época e investigador infatigable de los nuevos caminos en los que desplegar su actividad.
Hijo de un profesor de dibujo, nació en Málaga y allí vivió los diez primeros años de su vida. Después de una estancia de la familia en La Coruña, se establecen en Barcelona, ciudad que va a tener una influencia decisiva en su formación artística. El ambiente artístico catalán prepara al joven pintor para viajar a París en el año 1900.
Primer viaje a París:
Los cuadros de este viaje revelan su asimilación del impresionismo y el postimpresionismo, pero su visión es dramática, destaca: “ El moulin de la Galette”, “ Café Montmatre”…
Período Azul: ( 1901-1904)
Lo desarrolla en Barcelona, los temas aluden al hambre, la miseria, el frío, la soledad, los tonos azules que utilizaba ayudan a reforzar la sensación de desamparo que quiere transmitir, representa las figuras angulosas perfiladas por un dibujo de fuerte expresividad. Destacan “ la vida”, “la familia del circo”, “la planchadora”…
Período Rosa: (1904-1905)
Establecido en París, pinta con tonos rosas de ahí la denominación que recibe esta etapa, la temática es similar a la anterior, gentes del circo, desamparados a los que representa con un sentido poético de suave melancolía. Destacan: “el equilibrista de la bola”, “la mujer del abanico”…
Gestación del cubismo:
Abandona las delicadezas de las formas de los periodos azul y rosa dando a su pintura un cambio vertiginoso que muestra la transformación de su sensibilidad, se muestra duro y vigoroso por influencias de su descubrimiento del arte ibero en obras como “ Gertrude Stein”.
Cubismo:
En 1907 pinta uno de los cuadros claves del arte contemporáneo. “ Las señoritas de Aviñón”. Que supone el nacimiento del cubismo donde partiendo de las bañistas de Cezanne y de la pintura ibérica y africana descompone la realidad y la reduce a sus formas geométricas. Renuncia a la perspectiva espacial, a la luz, al mismo tiempo que las anatomías no corresponden a los conceptos clásicos occidentales del desnudo.
La denominación del cubismo se la dio Matisse, Apollinaire es el teórico del cubismo. Junto con Picasso, los principales representantes del estilo son Braque, Juan Gris, Léger…
Cubismo analítico:
En estrecha colaboración con Braque, elabora un nuevo lenguaje en el que la realidad se va analizando y descomponiendo en múltiples elementos geométricos que sugieren escasas profundidades. “ Paisaje de horta de Ebro”, “Hombre con pipa”, “el aficionado”…
La introducción sistemática del collage marca el final de este período inicial del cubismo, su “naturaleza muerta con asiento de rejilla” es el primer collage de la historia.
Cubismo sintético:
Ya no se caracteriza esta etapa por el análisis de la experiencia visual, sino por concebir el cuadro como una “ construcción” de elementos plásticos nuevos y tradicionales. Los planos geométricos se simplifican, el color es más rico y las evocaciones naturalistas más explícitas. Destacan: “ Botella, vaso y violín”, “ El jugador de cartas”…
Periodo clásico:
Un viaje a Italia determina en el pintor una vuelta al clasicismo, que se evidencia en las magníficas calidades del dibujo de este periodo. Pinta: “ madre e Hijo”, “ Pablo vestido de payaso”, aunque no olvida el cubismo, sino que siguió haciendo experiencias porque pintó por estos años obras cubistas como “ los tres músicos” “ estudio con busto clásico”…
Las metamorfosis:
A partir de 1925 la temática cambia y algunos teóricos hablan de un periodo Superrealista, el pintor metamorfea la figura humana con una imaginación ajena a toda razón, dejándose guiar por el subconsciente. Destaca: “ Mujer sentada al borde del mar”, “ Bañista jugando a la pelota”… es su pequeña contribución al surrealismo.
Guerra civil española:
Durante la contienda española, Picasso pinta unas obras donde aumenta su dramatismo y su evolución hacia el expresionismo, la obra más representativa de este momento es el “ Guernica” pintado por encargo de la IIª República española para la exposición de París de 1937, en ella hace alusión a la destrucción de los ideales por la guerra técnica, el color es simbólico ( blanco y negro), la composición es a base de líneas. Otra obra importante de estos años es “ mujer que llora”.
La IIª Guerra Mundial:
Durante la guerra sus obras siguen la línea del expresionismo dramático donde el sufrimiento y los desastres de las destrucciones están presentes. “ gato y pájaro”, “ cráneo de buey”…
Después de la IIª Guerra Mundial:
El optimismo, la alegría, inunda su pintura, colores claros y un lenguaje sencillo es el de “ la alegría de vivir”, “ bodegón de cazo azul”…
Últimos años:
La Guerra de Corea le inspira la “ matanza de Corea” donde expresa su antibelicismo.
Por los años 60 inicia una serie de reflexiones sobre grandes obras del pasado, de ella destacan los 58 cuadros sobre las “ meninas” de Velázquez que interpreta de manera cubista. A parte de su ingente actividad como pintor hay que destacar su labor como escultor, grabador y ceramista.
El surrealismo: Salvador Dalí.
El surrealismo es heredero del Dadaísmo y conserva de él la actitud provocadora y la necesidad de sorprender al espectador. La influencia de Freud y los estudios sobre el subconsciente son determinantes en el surrealismo. El propio líder del grupo, el poeta André Bretón, lo definía en el manifiesto Surrealista de 1924 como “ automatismo puro que permite expresar el interior de la mente en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, y al margen de cualquier preocupación estética o moral”. Los surrealistas se esfuerzan por explorar el subconsciente humano y liberarlo de todas las ambigüedades y obsesiones. Revelan la capacidad de la mente humana capaz de crear múltiples imágenes tan auténticas como las del mundo exterior. Su objetivo es ampliar los horizontes de la realidad. Una realidad sin tiempo ni espacio.
Su hostilidad hacia la sociedad burguesa inclinó a los miembros del grupo hacia actitudes revolucionarias, algunos de ellos militaron en el partido comunista. En el surrealismo no hay normas ni reglas y hay tantos surrealismos como autores surrealistas.
Principales pintores surrealistas:
Marx Ernst: Niega el valor de la obra realizada por la actividad mental consciente y proclama el subconsciente, lo involuntario, al margen de toda norma moral.
René Magrite: Pinta las cosas según su aspecto ordinario pero en situaciones insólitas o imposibles creando un misterio absoluto.
Marc Chagal: Se recrea en detalles insólitos, un tren al revés, gente que vuela…
En cuanto a los pintores españoles más famosos son Joan Miró y Salvador Dalí.
Joan Miró: (1893-1983)
Se une al movimiento surrealista en 1924, Bretón diría de él que era el más surrealista de todo el grupo. El arte de Miró es el resultado de un proceso de simplificación de la pintura que tiende a reducirla a sus elementos esenciales: línea, color y composición. A partir de ellos construye un cosmos propio, en el que los objetos no aparecen como son en la naturaleza, sino como signos muy simples de su universo interior. El color se aplica de forma plana sin modulaciones y los signos con los que pinta los objetos se irán simplificando a lo largo de su obra, hasta convertirse en verdaderos ideogramas. Así su pintura constituye una auténtica caligrafía en la que el arte consiste en la manera de elaborar el signo. La composición es básicamente intuitiva y recurre al equilibrio tectónico entre líneas y manchas de color. Muy pocos artistas han sido capaces de crear sirviéndose de tan pocos elementos. La fuerza plástica de su pintura reside en la viveza de los colores.
Principales obras: “la masía”, “carnaval de arlequín”, “persona tirando piedras a un pájaro”, “ mujer, pájaro, estrella”, “personajes en la noche”…
Salvador Dalí (1904-1989)
Se unió al grupo surrealista en 1929 y permanecería en el grupo hasta 1939 que sería expulsado debido a sus simpatías por el fascismo, parte del automatismo surrealista para inventar el método Paranoico-crítico que permite al espectador ver al tiempo varios objetos en una misma forma, esta sería la gran aportación que hace Dalí al surrealismo.
Tras la IIª Guerra mundial se orienta hacia una temática de misticismo religioso entremezclada con sus obsesiones sexuales, concentradas ahora en la figura de su compañera Gala. Con su obra Dalí cree haber sistematizado la confusión y, por lo tanto, haber ayudado a desacreditar completamente el mundo de la realidad. Su técnica es depurada y muy tradicional preocupándose por las líneas, el dibujo y la perspectiva. Sus temas son muy originales.
Principales obras: “la persistencia de la memoria”, “construcción blanca con habichuelas hervidas”, “cristo hipercúbico”, “gala mirando al mar”…
Los surrealistas tienen sus precedentes en el Bosco, las pinturas negras de Goya y toda la pintura tradicional en aquellos pintores como Dalí que están sumamente interesados en el dibujo y por ello se inspiran en clásicos como Miguel Ángel.
El expresionismo: Munch.
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania antes y después de la I Guerra Mundial. Supone una denuncia contra el militarismo y la sociedad deshumanizada. En 1905 en la ciudad alemana de Dresde varios pintores forman un grupo que adopta la denominación de Die Brücke ( el puente) que existirá hasta 1913 cuando se disuelve. Antes de la disolución de este grupo,en la ciudad de Munich, surge otro grupo de pintores expresionistas denominado Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul).
El precedente más remoto del expresionismo se encuentra en las visiones horripilantes de las pinturas negras de Goya y el antecedente más inmediato es Van Gogh y los precursores con los pintores nórdicos expresionistas. El noruego Munch y el belga Ensor; Munch realiza una obra símbolo de la emoción atormentada y delirante, una de sus pinturas más representativas es “ el grito”, su estancia en Alemania desde 1892 hasta 1900 explica la gran influencia que ejerce en el expresionismo alemán. Ensor representa lo absurdo y lo brutal, vagabundos, borrachos, máscaras, esqueletos, entre sus obras destaca “ la entrada de Cristo en Bruselas”.
Características de la pintura expresionista:
La expresión subjetiva de la realidad es una característica esencial, así deforman la realidad visual para dar a los temas representados una significación crítica, el artista transmite su mundo interior para desde él contemplar la sociedad denunciando sus contradicciones.
Los temas son siempre imágenes atormentadas que expresan la desesperación, la angustia, la soledad, es una pintura dramática que provoca desasosiego y desesperación.
Hay un predominio de la línea principalmente curvas y violentas que crean tensión y agresividad, las formas aparecen insinuadas y refuerzan la desolación.
El color lo utilizan como los fauves de forma arbitraria, colores discordantes que les sirve para expresar estados anímicos convulsivos.
Las composiciones son desordenadas y representan un plano único.
La abstracción: Kandinsky, Mondrian y Pollock.
Los movimientos vanguardistas del primer decenio del siglo conducen a la abstracción, en la que se llega a suprimir por completo la figuración. El color y la línea son los elementos básicos de un arte que aunque se inspira en la naturaleza, no la imita en su forma sensible. La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar, con un lenguaje sin formas, las necesidades interiores.
En la pintura abstracta destaca:
La abstracción lírica o expresionista:
Su máximo representante es Kandinsky. Fundador de la pintura abstracta. Era conocedor de la teoría del historiador de arte Worringer, sobre la libertad total del artista, Kandinsky quedó fascinado ante un cuadro que no era otra cosa que su propio lienzo colocado al revés; carecía de tema y solo mostraba manchas multicolores. Él considera que el artista necesita exteriorizar una necesidad interna y lo hace mediante la abstracción. Busca un arte imaginativo, intuitivo y espiritual donde el color comunica un sentimiento y equivale a un sonido. Música y pintura están vinculadas, así lo escribe Kandinsky en su libro “ Sobre lo espiritual en el arte”.
Entre sus obras destacan: “ cuadro con mancha roja”, “Improvisación XIV”,” el arco negro”, “flechas”.
La abstracción geométrica:
Paul klee es el principal representante de la abstracción geométrica, se siente atraído por los dibujos infantiles, ya que sus mecanismos mentales se activan más por imágenes que por conceptos, rechaza la abstracción absoluta, su obra se mueve entre la figuración y la abstracción, la fantasía y la realidad, muestra un interés por la geometría. Actualmente es considerado uno de los mayores creadores del siglo.
Principales obras: “senecio”, “ arquitectura espacial”.
Neoplasticismo:
Es una vanguardia intelectualista que busca la armonía y la pureza plástica total. El lenguaje es de una gran simplicidad donde color, forma y disposición están estudiados según un perfecto orden. Usa los colores primarios y el negro, blanco y gris, sin ningún tipo de carga emocional. Las líneas rectas evitan crear la ilusión de profundidad. El movimiento se inicia en Holanda en 1917, colaboran pintores, arquitectos y decoradores que intentan fusionar todas las artes en una armonía universal para mejorar el mundo convulso que les rodea. Destaca Piet Mondrian entre sus obras cabe mencionar “ cuadro rojo” y “ cuadro negro”, “composición en rojo, amarillo y azul”, “ composición II”…
En EEUU la pintura abstracta tiene su máximo representante en Jackson Pollock . Las características del estilo son:
Un olvido del mundo material y actitud pesimista después de la guerra.
Se emplea el formato a gran escala rompiendo con la pintura de caballete.
Artistas comprometidos artística y políticamente.
Pollock encarnó la voluntad de romper con el cuadro de caballete y aplicó la técnica del dripping ( chorreado) de pintura sobre la tela puesta en el suelo, utilizando nuevos materiales, como el barniz de aluminio.
Durante el proceso de creación, Pollock danzaba alrededor de sus cuadros, corriendo a veces con sus botes de pintura a lo largo del estudio para conferir igualdad a sus obras. Rompe por ello con la idea de la elaboración intelectual y meditada de la obra de arte y potencia el quehacer práctico.
Entre 1900 y 1914 la historia mundial cambia, fruto de este devenir histórico se alzan las vanguardias. Los años previos a la Iª Guerra Mundial son años de Paz armada entre las potencias europeas que rivalizan por las colonias. Los artistas se mueven entonces por su inspiración de mundos exóticos, escultura negra, pinturas oceánicas… Muchos pintores se comprometen políticamente con ideas revolucionarias, concretamente los rusos con su revolución en 1917. El artista dará rienda suelta a sus propias sensaciones e interpretará la realidad que le rodea de forma creativa. Cada movimiento tendrá su origen en algún arte anterior, sin embargo abrirá un camino nuevo que seguimos construyendo en la actualidad.
El fauvismo; Henri Matisse
Es la primera gran revolución artística del S.XX. En 1905 en el Salón de Otoño expusieron una serie de pintores a los que les une su pasión por el color, les influyen directamente los pintores postimpresionistas Gauguín y Van Gogh. El crítico de arte Louis Vaucelles les llamó fauves ( fieras). El grupo como tal deja de existir en 1908, sus características son las siguientes:
El color es su característica esencial, los colores no son los que tienen los objetos en la realidad.
El dibujo adquiere gran importancia, se perfilan las figuras.
El plano es único y sin profundidad.
Uno de sus mayores representantes es Henri Matisse. “ Retrato de Madame matisse”,”la danza”,”Odalisca roja”…
El cubismo: Pablo Picasso
Es junto con Braque el fundador del Cubismo. Al mismo tiempo encarna perfectamente al artista típico del S.XX. Comprometido con las cosas nobles de su época e investigador infatigable de los nuevos caminos en los que desplegar su actividad.
Hijo de un profesor de dibujo, nació en Málaga y allí vivió los diez primeros años de su vida. Después de una estancia de la familia en La Coruña, se establecen en Barcelona, ciudad que va a tener una influencia decisiva en su formación artística. El ambiente artístico catalán prepara al joven pintor para viajar a París en el año 1900.
Primer viaje a París:
Los cuadros de este viaje revelan su asimilación del impresionismo y el postimpresionismo, pero su visión es dramática, destaca: “ El moulin de la Galette”, “ Café Montmatre”…
Período Azul: ( 1901-1904)
Lo desarrolla en Barcelona, los temas aluden al hambre, la miseria, el frío, la soledad, los tonos azules que utilizaba ayudan a reforzar la sensación de desamparo que quiere transmitir, representa las figuras angulosas perfiladas por un dibujo de fuerte expresividad. Destacan “ la vida”, “la familia del circo”, “la planchadora”…
Período Rosa: (1904-1905)
Establecido en París, pinta con tonos rosas de ahí la denominación que recibe esta etapa, la temática es similar a la anterior, gentes del circo, desamparados a los que representa con un sentido poético de suave melancolía. Destacan: “el equilibrista de la bola”, “la mujer del abanico”…
Gestación del cubismo:
Abandona las delicadezas de las formas de los periodos azul y rosa dando a su pintura un cambio vertiginoso que muestra la transformación de su sensibilidad, se muestra duro y vigoroso por influencias de su descubrimiento del arte ibero en obras como “ Gertrude Stein”.
Cubismo:
En 1907 pinta uno de los cuadros claves del arte contemporáneo. “ Las señoritas de Aviñón”. Que supone el nacimiento del cubismo donde partiendo de las bañistas de Cezanne y de la pintura ibérica y africana descompone la realidad y la reduce a sus formas geométricas. Renuncia a la perspectiva espacial, a la luz, al mismo tiempo que las anatomías no corresponden a los conceptos clásicos occidentales del desnudo.
La denominación del cubismo se la dio Matisse, Apollinaire es el teórico del cubismo. Junto con Picasso, los principales representantes del estilo son Braque, Juan Gris, Léger…
Cubismo analítico:
En estrecha colaboración con Braque, elabora un nuevo lenguaje en el que la realidad se va analizando y descomponiendo en múltiples elementos geométricos que sugieren escasas profundidades. “ Paisaje de horta de Ebro”, “Hombre con pipa”, “el aficionado”…
La introducción sistemática del collage marca el final de este período inicial del cubismo, su “naturaleza muerta con asiento de rejilla” es el primer collage de la historia.
Cubismo sintético:
Ya no se caracteriza esta etapa por el análisis de la experiencia visual, sino por concebir el cuadro como una “ construcción” de elementos plásticos nuevos y tradicionales. Los planos geométricos se simplifican, el color es más rico y las evocaciones naturalistas más explícitas. Destacan: “ Botella, vaso y violín”, “ El jugador de cartas”…
Periodo clásico:
Un viaje a Italia determina en el pintor una vuelta al clasicismo, que se evidencia en las magníficas calidades del dibujo de este periodo. Pinta: “ madre e Hijo”, “ Pablo vestido de payaso”, aunque no olvida el cubismo, sino que siguió haciendo experiencias porque pintó por estos años obras cubistas como “ los tres músicos” “ estudio con busto clásico”…
Las metamorfosis:
A partir de 1925 la temática cambia y algunos teóricos hablan de un periodo Superrealista, el pintor metamorfea la figura humana con una imaginación ajena a toda razón, dejándose guiar por el subconsciente. Destaca: “ Mujer sentada al borde del mar”, “ Bañista jugando a la pelota”… es su pequeña contribución al surrealismo.
Guerra civil española:
Durante la contienda española, Picasso pinta unas obras donde aumenta su dramatismo y su evolución hacia el expresionismo, la obra más representativa de este momento es el “ Guernica” pintado por encargo de la IIª República española para la exposición de París de 1937, en ella hace alusión a la destrucción de los ideales por la guerra técnica, el color es simbólico ( blanco y negro), la composición es a base de líneas. Otra obra importante de estos años es “ mujer que llora”.
La IIª Guerra Mundial:
Durante la guerra sus obras siguen la línea del expresionismo dramático donde el sufrimiento y los desastres de las destrucciones están presentes. “ gato y pájaro”, “ cráneo de buey”…
Después de la IIª Guerra Mundial:
El optimismo, la alegría, inunda su pintura, colores claros y un lenguaje sencillo es el de “ la alegría de vivir”, “ bodegón de cazo azul”…
Últimos años:
La Guerra de Corea le inspira la “ matanza de Corea” donde expresa su antibelicismo.
Por los años 60 inicia una serie de reflexiones sobre grandes obras del pasado, de ella destacan los 58 cuadros sobre las “ meninas” de Velázquez que interpreta de manera cubista. A parte de su ingente actividad como pintor hay que destacar su labor como escultor, grabador y ceramista.
El surrealismo: Salvador Dalí.
El surrealismo es heredero del Dadaísmo y conserva de él la actitud provocadora y la necesidad de sorprender al espectador. La influencia de Freud y los estudios sobre el subconsciente son determinantes en el surrealismo. El propio líder del grupo, el poeta André Bretón, lo definía en el manifiesto Surrealista de 1924 como “ automatismo puro que permite expresar el interior de la mente en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, y al margen de cualquier preocupación estética o moral”. Los surrealistas se esfuerzan por explorar el subconsciente humano y liberarlo de todas las ambigüedades y obsesiones. Revelan la capacidad de la mente humana capaz de crear múltiples imágenes tan auténticas como las del mundo exterior. Su objetivo es ampliar los horizontes de la realidad. Una realidad sin tiempo ni espacio.
Su hostilidad hacia la sociedad burguesa inclinó a los miembros del grupo hacia actitudes revolucionarias, algunos de ellos militaron en el partido comunista. En el surrealismo no hay normas ni reglas y hay tantos surrealismos como autores surrealistas.
Principales pintores surrealistas:
Marx Ernst: Niega el valor de la obra realizada por la actividad mental consciente y proclama el subconsciente, lo involuntario, al margen de toda norma moral.
René Magrite: Pinta las cosas según su aspecto ordinario pero en situaciones insólitas o imposibles creando un misterio absoluto.
Marc Chagal: Se recrea en detalles insólitos, un tren al revés, gente que vuela…
En cuanto a los pintores españoles más famosos son Joan Miró y Salvador Dalí.
Joan Miró: (1893-1983)
Se une al movimiento surrealista en 1924, Bretón diría de él que era el más surrealista de todo el grupo. El arte de Miró es el resultado de un proceso de simplificación de la pintura que tiende a reducirla a sus elementos esenciales: línea, color y composición. A partir de ellos construye un cosmos propio, en el que los objetos no aparecen como son en la naturaleza, sino como signos muy simples de su universo interior. El color se aplica de forma plana sin modulaciones y los signos con los que pinta los objetos se irán simplificando a lo largo de su obra, hasta convertirse en verdaderos ideogramas. Así su pintura constituye una auténtica caligrafía en la que el arte consiste en la manera de elaborar el signo. La composición es básicamente intuitiva y recurre al equilibrio tectónico entre líneas y manchas de color. Muy pocos artistas han sido capaces de crear sirviéndose de tan pocos elementos. La fuerza plástica de su pintura reside en la viveza de los colores.
Principales obras: “la masía”, “carnaval de arlequín”, “persona tirando piedras a un pájaro”, “ mujer, pájaro, estrella”, “personajes en la noche”…
Salvador Dalí (1904-1989)
Se unió al grupo surrealista en 1929 y permanecería en el grupo hasta 1939 que sería expulsado debido a sus simpatías por el fascismo, parte del automatismo surrealista para inventar el método Paranoico-crítico que permite al espectador ver al tiempo varios objetos en una misma forma, esta sería la gran aportación que hace Dalí al surrealismo.
Tras la IIª Guerra mundial se orienta hacia una temática de misticismo religioso entremezclada con sus obsesiones sexuales, concentradas ahora en la figura de su compañera Gala. Con su obra Dalí cree haber sistematizado la confusión y, por lo tanto, haber ayudado a desacreditar completamente el mundo de la realidad. Su técnica es depurada y muy tradicional preocupándose por las líneas, el dibujo y la perspectiva. Sus temas son muy originales.
Principales obras: “la persistencia de la memoria”, “construcción blanca con habichuelas hervidas”, “cristo hipercúbico”, “gala mirando al mar”…
Los surrealistas tienen sus precedentes en el Bosco, las pinturas negras de Goya y toda la pintura tradicional en aquellos pintores como Dalí que están sumamente interesados en el dibujo y por ello se inspiran en clásicos como Miguel Ángel.
El expresionismo: Munch.
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania antes y después de la I Guerra Mundial. Supone una denuncia contra el militarismo y la sociedad deshumanizada. En 1905 en la ciudad alemana de Dresde varios pintores forman un grupo que adopta la denominación de Die Brücke ( el puente) que existirá hasta 1913 cuando se disuelve. Antes de la disolución de este grupo,en la ciudad de Munich, surge otro grupo de pintores expresionistas denominado Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul).
El precedente más remoto del expresionismo se encuentra en las visiones horripilantes de las pinturas negras de Goya y el antecedente más inmediato es Van Gogh y los precursores con los pintores nórdicos expresionistas. El noruego Munch y el belga Ensor; Munch realiza una obra símbolo de la emoción atormentada y delirante, una de sus pinturas más representativas es “ el grito”, su estancia en Alemania desde 1892 hasta 1900 explica la gran influencia que ejerce en el expresionismo alemán. Ensor representa lo absurdo y lo brutal, vagabundos, borrachos, máscaras, esqueletos, entre sus obras destaca “ la entrada de Cristo en Bruselas”.
Características de la pintura expresionista:
La expresión subjetiva de la realidad es una característica esencial, así deforman la realidad visual para dar a los temas representados una significación crítica, el artista transmite su mundo interior para desde él contemplar la sociedad denunciando sus contradicciones.
Los temas son siempre imágenes atormentadas que expresan la desesperación, la angustia, la soledad, es una pintura dramática que provoca desasosiego y desesperación.
Hay un predominio de la línea principalmente curvas y violentas que crean tensión y agresividad, las formas aparecen insinuadas y refuerzan la desolación.
El color lo utilizan como los fauves de forma arbitraria, colores discordantes que les sirve para expresar estados anímicos convulsivos.
Las composiciones son desordenadas y representan un plano único.
La abstracción: Kandinsky, Mondrian y Pollock.
Los movimientos vanguardistas del primer decenio del siglo conducen a la abstracción, en la que se llega a suprimir por completo la figuración. El color y la línea son los elementos básicos de un arte que aunque se inspira en la naturaleza, no la imita en su forma sensible. La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar, con un lenguaje sin formas, las necesidades interiores.
En la pintura abstracta destaca:
La abstracción lírica o expresionista:
Su máximo representante es Kandinsky. Fundador de la pintura abstracta. Era conocedor de la teoría del historiador de arte Worringer, sobre la libertad total del artista, Kandinsky quedó fascinado ante un cuadro que no era otra cosa que su propio lienzo colocado al revés; carecía de tema y solo mostraba manchas multicolores. Él considera que el artista necesita exteriorizar una necesidad interna y lo hace mediante la abstracción. Busca un arte imaginativo, intuitivo y espiritual donde el color comunica un sentimiento y equivale a un sonido. Música y pintura están vinculadas, así lo escribe Kandinsky en su libro “ Sobre lo espiritual en el arte”.
Entre sus obras destacan: “ cuadro con mancha roja”, “Improvisación XIV”,” el arco negro”, “flechas”.
La abstracción geométrica:
Paul klee es el principal representante de la abstracción geométrica, se siente atraído por los dibujos infantiles, ya que sus mecanismos mentales se activan más por imágenes que por conceptos, rechaza la abstracción absoluta, su obra se mueve entre la figuración y la abstracción, la fantasía y la realidad, muestra un interés por la geometría. Actualmente es considerado uno de los mayores creadores del siglo.
Principales obras: “senecio”, “ arquitectura espacial”.
Neoplasticismo:
Es una vanguardia intelectualista que busca la armonía y la pureza plástica total. El lenguaje es de una gran simplicidad donde color, forma y disposición están estudiados según un perfecto orden. Usa los colores primarios y el negro, blanco y gris, sin ningún tipo de carga emocional. Las líneas rectas evitan crear la ilusión de profundidad. El movimiento se inicia en Holanda en 1917, colaboran pintores, arquitectos y decoradores que intentan fusionar todas las artes en una armonía universal para mejorar el mundo convulso que les rodea. Destaca Piet Mondrian entre sus obras cabe mencionar “ cuadro rojo” y “ cuadro negro”, “composición en rojo, amarillo y azul”, “ composición II”…
En EEUU la pintura abstracta tiene su máximo representante en Jackson Pollock . Las características del estilo son:
Un olvido del mundo material y actitud pesimista después de la guerra.
Se emplea el formato a gran escala rompiendo con la pintura de caballete.
Artistas comprometidos artística y políticamente.
Pollock encarnó la voluntad de romper con el cuadro de caballete y aplicó la técnica del dripping ( chorreado) de pintura sobre la tela puesta en el suelo, utilizando nuevos materiales, como el barniz de aluminio.
Durante el proceso de creación, Pollock danzaba alrededor de sus cuadros, corriendo a veces con sus botes de pintura a lo largo del estudio para conferir igualdad a sus obras. Rompe por ello con la idea de la elaboración intelectual y meditada de la obra de arte y potencia el quehacer práctico.
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